Patrizia Bianchi

la murata

2008-12-24T04:14:00.000-08:00

LA MURATA,

di patrizia bianchi

con una postfazione di massimo sannelli

edizioni della Camera Verde

(Roma, 2009)

il libro può essere richiesto all'editore,

Giovanni Andrea Semerano :

tel. 340 5263877

e-mail : lacameraverde@tiscali.it

2008-11-05T07:28:00.000-08:00

Esnedy Milán Herrera

ANTIGONE

di Massimo Sannelli

Genova

La Stanza della Poesia

sabato 7 febbraio 2009, ore 17

2008-07-19T02:45:00.000-07:00

I Custodi

2008-06-22T03:23:00.000-07:00

Amazzone

Prometeo

2008-05-15T01:54:00.000-07:00

Figura

Figura

Guerriero

2008-04-13T00:41:00.000-07:00

Callas

Angelo

I custodi

2008-03-06T03:29:00.000-08:00

Antigone

Don Chisciotte

Davide

***

FOGLI DI CARTA E DI RAME

In un’altra occasione, ho scritto che «la pittura di Patrizia Bianchi accompagna da sempre, e ostinatamente, la scrittura», perché «la parola invoca l’immagine come super-parola (oltre la parola), mentre l’immagine si appoggia alla vocazione letteraria, e vi trova consolazione. C’è l’informale, quindi: ma è l’informale di chi è abituato da sempre a considerare pienamente informale anche la parola, e soprattutto la parola libera del poème en prose». Ora, l’occasione è nuova e più complessa: si tratta di presentare le nuovissime sculture in rame di Bianchi. E il critico-curatore-collezionista capisce di osservare manufatti imprevisti, in tutti i sensi. Non perché il passaggio alla scultura sia strano in sé, anche nel Novecento – ma perché queste Figure, che in primo luogo sono grandi Personaggi letterari, complicano le prime previsioni e chiedono di essere capìte. Il lavoro di Patrizia Bianchi è sempre stato accompagnato dalla scrittura – di cui mi sono reso testimone, cioè amico, ed editor professionale, caso per caso. Ora Bianchi inizia ex abrupto ad agire su grandi fogli di rame, e li innalza in forma di corpi stabili. Non è un caso che in principio si chiamino fogli di rame, così come si parla di fogli di carta. L’immaginazione dello scrittore li vede immediatamente come un nuovo supporto per la scrittura. In questo caso è la scrittura manuale, come sempre in Bianchi, trasformata in un’operazione di piegatura e taglio, cercando angoli e ombre, senza pace: non c’è quasi nulla di incruento nella scrittura nella pittura nella scultura di Patrizia, che piega la materia e il corpo («piego le labbra della mia ira»: La murata). Nel frattempo, Bianchi ha conquistato pienamente la volontà di fare, senza i divieti virili che agiscono anche qui e ora. Oggi Davide, Antigone, Don Chisciotte, l’Angelo (un Angelo più rilkiano, e dunque letterario, che agiografico) si installano per rimanere, con nuove prospettive: come cose degne e cose a cui credere. E il rame è sia delicato sia tagliente: può ferire l’osservatore e l’artista, ma un gesto può modificarne molti centimetri in un colpo solo – l’uomo e la donna si riconoscono esposti, nella loro malleabilità che paradossalmente diventa corpo dopo essere stata foglio.

Massimo Sannelli

2008-03-06T03:21:00.000-08:00

Se la forza è molta, il ferro non resiste. Il chiodo non regge più la parte che pesa, le cose fatte e rifatte perdono la prima forma.

Patrizia Bianchi - da la murata

2008-03-04T04:02:00.001-08:00

un disegno inedito nel sito di Asmar Moosavinia, con un suo commento - grazie, sempre :

http://asmarmoosavinia.blogspot.com/2008/02/disegno-di-patrizia-bianchi.html

Il disegno di Patrizia Bianchi che porta in sé una dolorosa contraddizione indica tante cose nonostante il silenzio che circonda la figura. C’è una dolorosa contraddizione tra le sottili e delicate linee del corpo e quelle dense e buie linee nel centro della figura come se tutto il dolore sia riunito in un punto. Il vuoto ed il silenzio che circonda la figura aumenta questa contraddizione. Questo dolore non si diffonde in tutto lo spazio come in Van Gogh il cui dolore è presente in tutto il quadro. In Van Gogh si vede un' esplosione di dolore o movimenti epilettici che riempiono tutto lo spazio che si esplode in colori e luce che mostrano più il desiderio e la voglia del pittore per quel colore e luce che non esiste.Ma nel disegno di Patrizia Bianchi non si vede nessun esplosione del dolore anzì è un dolore riunito e nascosto nel centro o nel cuore della figura. Un dolore che si intende a nascondersi non per timidezza o debolezza ma per non distruggere lo spazio attorno anche se la figura stessa venga distrutta: È il dolore nascosto o in velo di Patrizia Bianchi e questa figura sottile e potente allo stesso tempo lo rappresenta a miglior modo.

Asmar Moosavinia

2008-02-14T02:37:00.000-08:00

2008-02-04T02:21:00.000-08:00

prose dalla Murata e inediti 2008, nel sito «La poesia e lo spirito» :

grazie alla Redazione e a don Fabrizio Centofanti

2007-10-31T03:24:00.000-07:00

2007-09-17T10:17:00.000-07:00

Patrizia ha bisogno – è veramente fame e sete – dell’immaginazione e dell’immagine, cioè dell’espressione figurativa. E vuole la letteratura come lo spazio della non-letteratura e dell’impotenza della parola scritta. L’urlo di una MULA, ripetuto, è impetuoso e imbarazzante, per chi non muore della malattia-arte (e di amore): la letteratura non mi basta, la letteratura non dice tutto né a me né ad altri, la letteratura è una sequenza di grafemi senza grafica e di suoni che rimandano a contenuti. L’occhio raccoglie, e non contempla come un’immagine, la parola scritta. Allora la PAROLA dovrà coincidere con l’ARTE, ed entrambi riversarsi in «forme» grafiche e/o letterarie. E questo Nome sacro, Parola, che copre metalinguisticamente realtà diverse, opera in tempi e spazi in cui manca l’interlocutore o la risposta del pubblico è «tienitela pure». MA ALA e TRAUM (sogno) vibreranno insieme, verso un altro pubblico, non necessario e non rivoluzionario in sé (in realtà la vera rivoluzione è personale, in Patrizia: l’impegno delle mani a dipingere e della bocca a modellare la Parola, semplicemente ma con dignità): l’unica necessità riguarda il «bene», che la MALA della storia («ti hanno solo educata male») cerca, con esperimenti che riducono la distanza («La poesia mi sfiorava per non pungersi: ora è la mia anima»: e anima è l’ALMA).

massimo sannelli

2007-08-10T03:45:00.000-07:00

Massimo ha il polso più lento degli altri. E spesso alcuni non lo comprendono, perché sono ignoranti; o perché lo conoscono poco, e male e superficialmente (a loro danno). Oppure sanno che avvicinarsi è pericoloso: Massimo destabilizza la certezza della gloria. Massimo parla, legge e dice poesia a voce bassa, da sempre. Non è un'improvvisazione. E non assomiglia a nessuno: questo è il suo stile. Noi siamo nell'urlo, nella piazza visibile da tutte le angolazioni - ma altro è lo spazio, e altro è l'urlo, che crea. Massimo è mite solo in apparenza. Non sgomita. Non ingrassa con le parole di altri. Vive solo, passa solo: la sua forza è nella scrittura. Questo è il suo corpo, il cibo, lo sguardo. La fionda colpisce il sonno del mondo. Il fatto è che dopo una lettura di Massimo non si osa aprire bocca: se si dice qualcosa è per far tacere un'altra voce, che non può mescolarsi alle parole di tutti i giorni. Altri sono i suoi significati, altre le luci, anche in penombra.

2007-08-02T09:02:00.000-07:00

Personale di Patrizia Bianchi
opere 2006-2007
Stanza della poesia, Palazzo Ducale : Piazza Matteotti 78r - Genova

mostra a cura di Massimo Sannelli
inaugurazione : giovedì 13 settembre 2007, ore 17.15
per informazioni : 010 541942

2007-07-13T03:45:00.000-07:00

2007-07-06T07:37:00.001-07:00

2007-07-06T07:34:00.000-07:00

quattro chine per Amanuense di massimo sannelli

2007-06-08T07:39:00.000-07:00

queste chine illustrano Amanuense, di Massimo Sannelli (edizioni di Cantarena, Genova 2007, in 100 copie numerate)

2007-05-09T08:36:00.000-07:00

2007-05-02T05:51:00.000-07:00

E' in corso di pubblicazione Amanuense, di Massimo Sannelli, con copertina e quattro chine inedite di Patrizia Bianchi, presso le edizioni Cantarena di Genova, in 100 copie numerate. Il libro raccoglie le lezioni di poesia di Sannelli presso la Scuola Media "Virginia Centurione" (Genova, Sestri Ponente). Alcuni frammenti si possono leggere qui e qui.

2007-03-06T07:41:00.000-08:00

2007-02-12T09:10:00.000-08:00

2007-02-02T09:31:00.000-08:00

Massimo Sannelli fotografato da Patrizia Bianchi (Genova, gennaio 2007)

2006-11-16T02:47:00.000-08:00

2006-09-18T09:50:00.000-07:00

Patrizia Bianchi
LA MURATA
Sulla vocazione e sull’occhio

A volte bisogna far violenza al proprio pensiero, altre volte inchiodare il corpo e lasciare che il pensiero si esaurisca. Ma bisogna addestrare il corpo ad ascoltare solo la parte superiore dell’anima.
Simone Weil, Cahiers, XVI

I
La vocazione
Se avessi avuto la scrittura, non mi sarei allontanata. La scrittura mancava di forma: era in disarmonia con la voce interiore, coperta dall’urlo. Anche il cielo mancava: e se c’era, non c’era l’occhio a vederne la luce. La PAROLA mancava sempre: la PAROLA moriva, spezzandosi. Restava solo un balbettio sofferto, una speranza trasformata in inganno. Ora la necessità di scrivere mi spinge fuori. E lo spazio si chiude nel mio corpo, che mangia l’aria: aria e cemento. Devo uscire dal ghetto dei miei pensieri.
Nella metropolitana, il tempo è appeso allo sguardo bianco di un vecchio, che nessuno guarda, ed è seduto di fronte a me. Forse non mi vede nemmeno. La solitudine è nella sua pupilla, che nessuno sente. Il suo fiato aderisce ai corpi che non sentono e non parlano. È un solo monologo, balbettante e frenetico: l’antico dialogo a più voci sfreccia in pieno mezzogiorno.
Tutti i suoni sono simili, come le stesse facce, ricostruite in laboratorio. Il sorriso plastico è stato rifatto alla perfezione. Mezz’ora dopo, al bar, afferro un bicchiere: lo getto a terra. Voglio sentire lo schianto dell’oggetto, che per pochi secondi è stato vivo nelle mie mani: prima che la materia si dissolva, nei miei sensi. Anch’io sono la materia, in questo schianto; non sento e non vedo.
*
Da bambina passavo molto tempo in cortile. Era un cortile interno, circondato da case. Avevo forse sette o otto anni. Almeno così mi sembra di ricordare.
La mamma lavorava al centro commerciale, e mi lasciava giocare tutto il pomeriggio in cortile, da quando avevo rischiato di dare fuoco alla casa. Quelle ore, le passavo da sola. Poi arrivava un’altra bambina, e i suoi giocattoli erano sempre più belli dei miei. Io restavo sola: non è che le altre non mi chiamassero, ma io trovavo brutte le loro bambole.
Un giorno una bambina mi prestò la sua, ma io le dissi: -Ho già la mia bambola.
-Ma la tua è di pezza!
E la bambina si mise a piangere. Io gridavo: - Questa l’ha fatta la mia mamma!
Un’altra bambina intervenne e disse: -La mia è più bella.
Urlavo come se si trattasse di un tesoro. E lo era, per me.
Le altre si guardarono e scoppiarono a ridere: -Tienitela pure, noi non giochiamo con la bambola di pezza.
Se ne andarono ridendo. Alla mamma non raccontai nulla. Le avevo procurato già abbastanza guai. E mi diceva: - Ho altro da pensare.

*
I miei piedi sono qui, uniti e buoni, poi vanno altrove, in altri posti. Le mie mani sono su un tavolo, poi si muovono nervose. Ho appena finito di ordinare cassetti e armadi, ho aperto boccette di profumo, svanito da tempo. Accarezzo ogni cosa, ma ho le mani fredde, come le cose e i corpi che guardo. Lontani e rabbiosi, mortificano lo sguardo.
Ora qualcuno sta salendo le scale, ma non lo riconosco, si affaccia appena nella mia mente, in silenzio.
Ora i miei piedi vogliono correre. Qualcuno si avvicina e mi mette le scarpe. Ma io non voglio le scarpe. Le scarpe sono quasi sempre strette. Ma loro non capiscono: mi guardano e ridono, "Guarda come sono belle!".
Mi prendono per mano e il mondo è un’altra cosa, adesso che ho le scarpe. Non mi va di camminare, e mi coccolano come se fossi un’altra bambina, che non cresce mai. Invece il tempo è trascorso, e vorrei essere io quella che apre e chiude la porta quando vuole. Non c’entro niente con loro e le loro abitudini.
Urlo: "toglietemi queste scarpe!".
-Non ti piacciono le scarpe nuove?
-Mi fanno male.
-All’inizio fanno sempre male. Ti ci abituerai.
E mi sono abituata, ora niente mi fa male.
*
Mia madre si è accorta di me: mi ha regalato una bambola. La cullo e sento sulle guance i suoi capelli soffici, di lana. È la prima dolcezza, perché la bambola ha la mia stessa faccia e il mio stesso silenzio. Io sono questa bambola, che ora è di porcellana, e ho i suoi occhi. Non sento più freddo: guardo la vita dall’interno dei suoi occhi di vetro.

II
L’occhio
i
Le mani sul grembo, abbandonate.
I piedi uniti, nascosti sotto la sedia.
Lo sguardo è nella stanza obliqua. La luce illumina gli ultimi mobili: nemmeno questi sono indispensabili. Prima, il mio occhio consumava l’immagine; seduta, immobile, l’occhio saltava dalla finestra, e io riprendevo la visione. Così ho aperto la mia solitudine, e ho fatto posto alla PAROLA.
ii
I mazzi di fiori, recisi dentro un vaso, hanno perso il profumo. Restano solo i colori, a mucchi, stretti in un’unica ferita. Qualcuno li ha dimenticati, sul tavolo, e se n’è andato.
iii
È la pietra grezza la pietra che scintilla come un’unica fiamma, alta sul candeliere. La specchiera rimanda l’immagine, consumata: più bella e più forte, nel sonno del suo splendore.
iv
Sollevo le braccia dalla terra, la cospargo di semi. Spargo i semi a tutti gli uccelli. Le nuvole si addensano in una sola forma, che non è ancora la pioggia.
Sollevo le braccia dalla mia giovinezza e la PAROLA disegna un arabesco nell’aria. O è solo una curva della bocca, la foglia incollata sullo schermo, il vetro. La curva della mia bocca è questo schermo.
v
L’occhio è una fiamma di fuoco, che consuma l’immagine.
La vena batte la trave! Il rosso è nell’occhio: il chiodo affonda, tra incudine e martello; lo spazio bianco contiene l’oggetto; e lo custodisce intatto, e se ne distanzia. Ci sono pareti frontali, con lo stesso sguardo, ma l’una non sa dell’altra.
Lo spazio racchiude il disegno dell’occhio. L’occhio gioca con le forme: il chiodo batte sull’occhio: il suo sopracciglio è una linea aperta.
vi
Conduco la mia arca con le mani. Sapientemente annodo la cima di un albero. Niente ritorna. Quello che è tolto è tolto: perso per sempre. Io non voglio il pane che non ho chiesto: voglio quello che mi è mancato. Tu raccogli per me i fiori cresciuti sulla pietra, selvatici, i ciuffi d’erba che nessuno guarda.
vii
Appaiono ombre sulla mattonella, rossa e viva. Il piede calpesta tracce non ancora nate. Per un istante, la grata ha trattenuto il piede.
Ho rinviato l’ora e la PAROLA. C’è chi vuole liquidare il mio cuore, con i suoi denti aguzzi. La sua mano si allunga, è avida, e strapperà i battiti dell’ora.
viii
Le mani impastano la terra. L’occhio trova la forma nello stampo. Solo il tempo si svolge come un nastro, semplicemente sciolto.
ix
Nodo di piume! Braccio morbido, non legato.
Sogno che veglia l’occhio. L’occhio veglia la terra.
L’occhio veglia il sogno: il volo di Icaro è chiuso nel mio occhio. Il sogno di Icaro è chiuso nel mio sonno.
x
Il seme nella terra germina la radice dell’albero. La radice morde la pietra. La terra distilla il clamore!
xi
Dietro le sbarre l’occhio è vigile. L’ombra murata spia dietro le sbarre. La grata sfonda gli sguardi, spezza la luce in mille riquadri. La follia scaglia una smorfia di gomma. Il mazzo di chiavi scandisce il tempo fermo. Il rumore è un suono metallico: mi aggrappo a questo suono, in mancanza di un interlocutore.
xii
La pazzia non sarà la mia carne: non sarà la veste rossa che mi strapperà le gambe. L’occhio del gatto strappa la palpebra e resta immobile. La sua preda non gli appartiene; la fissa e basta: artiglio, occhio, zampa, lama.
xiii
Occhi di bambino sognano, anche se non dormono. Guardano col dito in bocca un cavallo a dondolo. E già il bambino gli sale in groppa, oltre il cancello d’oro, in pieno giorno.
xiv
Un uccello grida sul mare: un tuffo enorme, grande. Non gioisce e non teme: trova il bene necessario nel frutto molle. Dalla larva all’aquila, che ingoia il cielo.
Percorro la mia ragione.
Nel ricordo la memoria lampeggia rossa. Scantona ombre alte sulla città. Supera la cinta della sua storia.
xv
Argino il passo, mi precludo altre svolte: l’arco delinea la curva del cuore.
Argino il passo, piego le labbra della mia ira: divento umile.
Arresto il flusso della mia voce: la stanza più bella è il cuore. La poesia mi sfiorava per non pungersi: ora la lingua che non impreca, sola, è la mia anima.
xvi
C’è una cavità che non trattiene nulla: ospita la luce e ogni vista. Se la forma non tiene, neanche il ferro si piega: il chiodo non regge la parte che manca, le cose fatte e rifatte perdono la prima forma.
xvii
A mani tese cerco il fuoco. Nell’occhio le forme diventano nitide: si fanno gocce, larghe sopra il corpo. La mente superstite misura la mia strada. Io cresco, con lentezza, e non me ne vergogno. Ora è accaduto il miracolo: a piene mani, il simile ama il simile.
xviii
Dormiamo con il cuore in allarme. A pochi passi da noi, i nostri bambini giocano, sulla riva del mare; raccolgono conchiglie e succhiano i frutti. Le loro mani afferrano l’onda e ogni cosa. "Sembra che svuotino il mare". Afferrano tutto senza paura: ragni, piccole pietre, pezzetti di vetro colorato, granchi. L’azzurro limita questi occhi, che squillano contro il mare.
xix
Quello che resta, quello che ancora resta, è un passo mobile. Il tuo farti pesante, il tuo consumarmi senza prendere nulla è peggio che spogliarmi. Non mi hai riconosciuto nessuna forma e nessuna PAROLA.
Eppure ero lì, dentro la mia carne, nella mia bocca. Non hai voluto abitarmi e vestirti. Cibarti. Non hai voluto sognarmi: il sogno non era cosa per te. Io spezzo ora la corda con le mani e i denti. Con la mia PAROLA, ora spezzerò la corda.
(Genova, marzo-settembre 2006)

***
nota alla Murata, di Massimo Sannelli
Questo poemetto in prosa di Patrizia Bianchi ha avuto due stesure, divise da un momento fondamentale. La prima redazione (marzo 2006), più ingenua e improvvisa, precede la scelta di dichiarare la propria attività artistica, mai emersa; la seconda redazione, sei mesi dopo, ha alle spalle la prima mostra e il primo catalogo (Galleria Il Cancello, Genova, tra giugno e luglio). Non è un passaggio mediocre: perché un conto è parlare genericamente di immagine (e immaginazione, memoria, sogno, forma, ecc.), un conto è declinarla di nuovo all’interno di un percorso artistico pubblicato.
Bianchi esalta la PAROLA, personificata e divinizzata, forse traducendo una sconfitta storica – la "corda" (xix), il silenzio secolare delle donne – in una vittoria politica e retorica; ma rendendo trionfale l’àmbito dell’immagine e la parola come descrizione di pose, ricordi e opere. Quindi offre la parola ad immagini precedenti all’enunciazione; e questa parola appartiene, di per sé, al campo del "perso per sempre" (vi) e della decadenza (ii). "La scrittura mancava di forma": non, banalmente, la forma retorica dello scritto e l’antagonista del mitico contenuto, ma la figura grafica e, latinamente, la bellezza. La scrittura "era in disarmonia con la voce interiore": e "voce interiore" è, più di tutto, la traduzione personale della "necessità interiore" (una forza-forma spirituale) di Kandinsky.
Infatti Bianchi ha bisogno – è veramente fame e sete – dell’immaginazione e dell’immagine, cioè dell’espressione figurativa, e rivendica la letteratura come spazio della non-letteratura e dell’impotenza della parola scritta: come urlare, ripetitivamente, che la letteratura non mi basta, non dice tutto né a me né ad altri, e che è una sequenza di grafemi senza grafica e di suoni che rimandano a contenuti, senza essere, di per sé, contenuti. Bianchi vede che la scrittura interessa l’occhio come raccoglitore, non come contemplatore di una totalità immediata, e torce la parola verso la forma. Così la PAROLA è l’ARTE, che si riversa in "forme" di volta in volta grafiche o letterarie. E questo Nome, che copre metalinguisticamente realtà diverse, opera in tempi e spazi in cui manca l’interlocutore (xi) o la risposta del pubblico impossibile è "tienitela pure". Oggi non ha importanza che io condivida o meno questa sfiducia nell’orecchio, nel suono e nei significanti, o che possa o non possa paragonarla con il mio laboratorio (in poesia, soprattutto in poesia); ma devo rendermene testimone, e in parte organizzatore e curatore: perché si tratta – e ne sono convinto – di non uccidere ciò che nasce come necessario e non del tutto autoriferito.
(m.s.)

2006-08-13T02:42:00.000-07:00

Patrizia Bianchi
Su Massimo Sannelli, Philologia Pauli. Il corpo e le ceneri di Pasolini (Fara ed., Rimini 2006)

A volte bisogna spingersi nell’eccesso per trovare il corpo leso. Lascia che si procuri il cibo da sé, che la faccia trovi rifugio tra le mani. Il pianto non può essere visibile a tutti. Deve essere custodito come una cosa preziosa: è sacro il dolore che non spiega nulla e che non vuole consolazione. Espia così il suo essere nel mondo.
Massimo Sannelli è un osservatore che non si lascia sfuggire né l’essenziale né il concetto banale (l’espressione del testo): li spezza, li sbriciola, e ne ricava un vuoto che riempie di altro. Per lui la scrittura è pane e nutrimento: Vita e Arte sono simili, come due occhi e due mani: ferita l’una, è ferita anche l’altra. Sannelli trae la forza, la risorsa per correre a spalancare la PORTA di Genova e darle respiro: ampio e grosso respiro.
Massimo è meticoloso, fino a sradicarsi da se stesso e dedicarsi alla vita creativa, all’arte e all’opera poetica. La sua giustizia nell’analizzare un testo è quasi un sintomo di un delirio creativo, necessario per giungere all’osso e al nervo della scrittura. A costo di una solitudine: perché entrare in questi cunicoli – nelle pieghe delle parole o di una pittura – non è gioco facile o “gioco del massacro”. È un rompere il seme e lasciare che si generi la luce creativa.
Massimo percepisce queste cose come la punta di una sponda. Un rivolo di sangue per partecipare ed essere anima e corpo, ferendosi senza morire. “Gettare il corpo nella lotta”, come Pasolini: occhi che guardano la forma del linguaggio, orecchio che ascolta il suono della parola, e mani che costruiscono l’impalcatura dell’opera con passione e pazienza tenace, fino all’inverosimile essenza delle cose. Questo è Massimo Sannelli.

(7 agosto 2006)

2006-08-07T01:49:00.000-07:00

Cinque domande di Patrizia Bianchi a Massimo Sannelli, a proposito di Philologia Pauli. Il corpo e le ceneri di Pasolini (Fara, Rimini 2006, con una prefazione di G.R. Manzoni).

1
Dove porta oggi la poesia di Pasolini? È ancora valida?
Prima di tutto dovremmo capire se l’opera di Pasolini è un caos in cui scegliere o un unico soggetto coerente, che coincide con un solo Pasolini. La prima possibilità avrebbe senso se l’inizio friulano rimanesse isolato, ad esempio; e invece si salda con una «nuova gioventù», trent’anni dopo (l’età, per inciso, in cui è, o era, possibile considerare maturo e indipendente un figlio; e forse è qui che nasce l’invito al giovane a prendere il carico su di sé). Molte poesie di Pasolini sono validissime, soprattutto nella gabbia trobadorico-friulana, nel teatro e in Trasumanar e organizzar: cioè nei testi in cui la dizione è o imbrigliata in regole e distanziata nel dialetto (e quindi isolando enfasi e retorica) o lasciata andare, in un apparente caos e nella provvisorietà degli appunti. Ma è anche vero che molte poesie di Pasolini non reggono, se le leggiamo da sole (anche se la mia sensazione è che il carico di enfasi o di sentimentalismo del «cuore elegiaco» sia voluto). Come è fuori luogo e ingenuo chiamare «quadro» un’accumulazione di Arman – è un esempio – così è troppo facile chiamare poesie questi testi. Io credo che ci sia di più, ed è questa la direzione che può essere seguìta oggi: i testi di poesia sono stati accompagnati, fino all’ultimo giorno, da una dedizione assolutamente corporale («gettare il proprio corpo nella lotta»); quindi realistica e vera. L’eventuale bruttezza retorica e i grandi testi convivono e si armonizzano: ma è soprattutto la diffusione seminale e la presenza del corpo a renderli le parti di un’opera contestabile e fondamentale. Perché il corpo sia garante e compagno dei testi è necessario un surplus carismatico e differenziante, autopredestinato a qualcosa che oscillerà sempre tra l’infamia e la santificazione: ciò che è accaduto per Pasolini, né più né meno. Ciò che non può accadere per altri corpi, ai quali manca la stessa tensione.

2
Pasolini muore alla vita creativa o alla vita biologica?
Pasolini muore e basta. Morendo, compie quella che nel libro considero l’ultima poesia – un atto di «poesia vissuta», diversa dalla «poesia scritta» – e l’ultimo atto di cinema. Poesia e cinema eternati perché irripetibili, se non uccidendo un altro poeta con lo stesso curriculum e lo stesso corpo: il che è impossibile. Ora: è chiaro che, per quanto mitizzata e antiveduta poeticamente, questa morte è un fatto, avvenuto nel tempo umano e in un luogo preciso. Mentre non esistono una data e una cronaca della morte/metamorfosi di Narciso o di Dafne, qui esistono reliquie ed effetti: alcuni corpi del reato, le foto del cadavere, la sua autopsia, un iter giuridico. E tutta questa materia crimonologica e medica deve essere letta anche – non dico solo, dico anche – da un punto di vista diverso dalla criminologia e dalla medicina. Muore colui che ha definito la libertà come libertà di scegliere la propria morte; che l’ha anticipata fin dal tempo friulano; che – tra ironia e tragedia – l’ha capìta: una cosa prematura e violenta. Quando questa morte avviene, perché non considerarla anche dal punto di vista poetico? Pasolini muore alla vita biologica, e ovviamente la morte interrompe il suo percorso creativo; ma non è questo che conta, al punto in cui Pasolini si trova. Tutto è in corso e le opere sono progettate, ma tutto può essere abbandonato: «il mondo non mi vuole più e non lo sa».

3
La morte di Pasolini è un atto pubblico? E questa morte è in contraddizione con la sua solitudine interiore?
Non è immediatamente un atto pubblico: ma – come una poesia scritta in solitudine – è un atto pubblicabile. E pubblicato non con il medium del libro ma approfittando del delirio massmediatico e veramente popolare di un fatto che univa cronaca nera, mito, antropologia, paleoagricoltura, omosessualità, politica, poesia. La solitudine interiore è, in fondo, l’altro tema portante della scrittura di Pasolini, insieme alla madre/anima e all’eros; la solitudine non è consolabile ed è il silenzio più pieno; ma questo silenzio – che è riempito dal sesso, al limite, e neanche il sesso basta – è la base delle opere.

4
Il seme deve rompersi. Che cosa significa questo per Pasolini?
Significa che, o in un delirio irrazionalistico o per adesione razionale (tramite Eliade o Frazer o altri), Pasolini ha concepito il bisogno di una morte non suicidale, e quindi non autoriferita. Questo bisogno non è in piena luce, e non è necessario ipotizzare che Pasolini abbia programmato ogni particolare della propria morte. È sufficiente teorizzarla in forme abbastanza chiare da attirare un pubblico, prima della morte e dopo la morte; ed è sufficiente che la semina, o la morte, avvenga: cioè che non rimanga su un piano puramente metaforico. Io credo che la possibilità di una morte anche politica di Pasolini, eventualmente ucciso dal Palazzo, non sia in contraddizione con un’uscita mitica dal mondo; anche se la contraddizione è atroce per la mente razionale. Ma non oserei defraudare il poeta-mitografo della possibilità di essere giovane e libero, scegliendo, consapevolmente o no, la propria morte. Pasolini ci ricorda anche un modo di agire: ciò che dico, deve essere come lo dico, soprattutto quando si opera con ambizioni e forme artistiche. E questo, tra l’altro, inchioda il parlante e lo scrivente artistici ad una responsabilità sconvolgente. Sconvolgente, secondo me, perché richiede strumenti più antropologici e religiosi che politici o estetici: anche quando la lotta sembra più che altro politica.

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Eternando la vita non se ne esce veramente. Pasolini ha reso eterna la vita o l’opera?
Credo che abbia reso più potente e drammatico (non so se l’abbia reso anche eterno) il luogo comune sulla diversità da albatros dell’artista. Ha voluto che la carne, oltre che dileggiata dai marinai di Baudelaire, fosse anche crocefissa e distrutta: non metaforicamente. Tutto questo per una tendenza tragica e per l’ambizione onesta di un «fine pratico della poesia». Ma c’è di più. La quasi contemporaneità, nel giro di due settimane, di una santificazione in vita (Montale premio Nobel) e della degradazione in morte (Pasolini nel fango) non è casuale, dal momento che riguarda due poeti. Non è casuale se la si legge dal punto di vista della poesia: la glorificazione dell’uno è quasi una morte in vita, quando Montale è ridotto, consapevolmente, ad un’ombra autoironica e mondana (e accolta nel Palazzo); la degradazione infamante dell’altro è morte, ma apre una vitalità postuma senza precedenti e irripetibile. Se Pasolini è citato nel Peggio di Novella 2000 di Arbore e D’Agostino per il flirt con Maria Callas, e il pubblico degli anni ’60 e ’70 poteva vederlo oscillare tra un’intervista RAI a Biagi, il «Corriere della Sera», e la stampa scandalistica – tutto questo oggi è irripetibile, e appartiene a Pasolini, da solo. Dopo il 1975 la portata pubblica degli altri poeti è stata neutralizzata: compresi i più vicini, come Rosselli e Testori; per non parlare delle forme di poesia di ricerca, che hanno avuto alcuni esiti giganteschi, eppure silenziati in modo osceno (è il caso di Giuliano Mesa, su tutti). E questa sterilizzazione continua, anche oggi. Perché inchioda la nostra precarietà al ruolo piccolo che ci siamo assegnati, malvolentieri, e che ci viene imposto volentieri: sei nulla e rimani nulla; poiché il tuo corpo non appare nei media, non esiste; e se la tua poesia è ormai slegata dal tuo corpo, si riduce ad un flatus vocis che non si installerà mai in un contesto. Il testo non si vede perché non si vede il corpo. Il discorso di Pasolini è troppo diverso e autodistruttivo per essere imitabile; ma il discorso demoniaco e paterno del Potere è chiaro: separare corpo e voce, e limitare fortemente la seconda. Urgono, in realtà, altre provocazioni mentali, corporali e poetiche: semi utili. Urgono in realtà, perché la realtà li invoca.

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Massimo Sannelli, primi appunti sull'arte di Patrizia Bianchi:

http://www.microcritica.splinder.com/post/8352402

(dal catalogo forma cunea, alfabeto, triangolo, che accompagna la personale presso la Galleria "Il Cancello", Genova, 15 giugno-1° luglio 2006)

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massimo sannelli, O, con un disegno di Patrizia Bianchi:
http://gammm.wordpress.com/files/2006/05/O.pdf

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2006-05-09T13:30:00.000-07:00

E' stato pubblicato, come e-book presso Feaci Edizioni, Lo schermo di Massimo Sannelli. In copertina, un disegno ad inchiostro e sanguigna di Patrizia Bianchi:

http://www.feaciedizioni.it/testiPdf/sannelli.pdf

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Venerdì 19 Maggio 2006 alle ore 16,30, presso la Fondazione ENI-Enrico Mattei (Culture Factory di Genova: Piazza della Vittoria, 7/2) avrà luogo un incontro con Patrizia Bianchi, Paola Carroli e Massimo Sannelli. Ingresso gratuito, con prenotazione telefonica (lunedì-giovedì: 010 5774357, dalle 14:00 alle 19:00; venerdì: 010 5774356)

http://www.feem.culturefactory.it

2006-04-29T05:05:00.000-07:00

Ciò che è in gioco è un sapere in cui le tecniche sono approfondite in vista di una mèta: se la "contaminazione" delle arti presta il fianco a grandi ingenuità, la loro compartecipazione ad un progetto - nella reciproca autonomia, sempre - incarna la speranza di circoscrivere meglio i dati. Allora le individualità creative cedono alla tensione, feconda, verso il Progetto stesso, che è, forse, la sublimazione della sublimazione: un incontro con la Realtà santa di per sé, così come l'acqua di Narciso è bella (pura, preziosa, ecc.) e lo è sempre stata. (massimo sannelli)